En el fascinante mundo del teatro, la corporeidad emerge como un concepto fundamental que va más allá de la simple representación de un personaje en el escenario. Este viaje desde las corazas caracterológicas de Wilhelm Reich hasta la antropología teatral de Eugenio Barba, pasando por las metodologías innovadoras de Stanislavsky, Meyerhold, Grotowski, Laban y Lecoq, revela la riqueza de la expresividad corporal en la creación teatral.
Definiendo Conceptos Clave:
- Cuerpo: El cuerpo se refiere a la estructura física tangible de un individuo, incluyendo órganos, músculos, huesos y sistemas biológicos. Es la entidad material que ocupa un espacio y experimenta sensaciones.
- Corporalidad: La corporalidad va más allá del cuerpo físico y abarca las experiencias, percepciones y expresiones sensoriales que emanan del cuerpo. Incluye la conciencia del cuerpo en movimiento y su capacidad para comunicar emociones y pensamientos.
- Corporeidad: La corporeidad es un concepto más amplio que engloba la totalidad del ser, integrando cuerpo, mente y emociones. Implica la conexión consciente e integrada entre el cuerpo y otros aspectos de la existencia, manifestándose de manera única en la expresión artística, especialmente en el teatro.
Reich y las Corazas Caracterológicas una mirada desde la psicología
Wilhelm Reich, pionero en la psicología y la teoría del cuerpo, aporta la noción de las corazas caracterológicas. Su teoría sostiene que las tensiones emocionales y traumas se reflejan en el cuerpo, creando una «coraza» que limita la expresión y la autenticidad. Reich dividió la coraza en siete segmentos: ojos, boca, cuello, tórax, diafragma, abdomen y pelvis, cada uno de ellos relacionado con emociones. Su aporte nos permite crear físicamente estas particularidades para el cuerpo de un personaje.
Stanislavsky y la Creación de Personajes
Konstantin Stanislavsky, pionero del método de actuación, de quien te hablamos anteriormente revolucionó la forma en que los actores se acercan a sus personajes. Su método se centra en la búsqueda de la verdad emocional, instando a los actores a conectarse profundamente con las experiencias de sus personajes. Tomando esta mirada de Stanislavsky, el vehículo a través del cual se puede lograr esta autenticidad, utilizando la memoria afectiva y la memoria sensorial es el cuerpo. Porque será la manera de desarrollar las acciones (otro eje fundamental de la escena) lo que nos cuente el cariz de la escena.
Meyerhold y la Biomecánica Teatral
Vsevolod Meyerhold, contemporáneo de Stanislavsky, aportó a la corporeidad una dimensión biomecánica. Su método se basa en movimientos físicos estructurados y precisos que dan vida a los personajes. La biomecánica teatral de Meyerhold fusiona la expresión física con la interpretación, utilizando el cuerpo como un instrumento preciso y dinámico para la creación escénica. ¿Cómo está nuestro cuerpo? ¿Cómo funciona hoy y cómo puede variar? Son preguntas que guían la búsqueda en las clases de teatro. Enriquecer la estructura y los matices investigando en arquetipos, se suma a las herramientas para crecer.
Grotowski y la Exploración Profunda
Jerzy Grotowski, en su búsqueda de la verdad teatral, enfocó la corporeidad como un medio para la exploración profunda del actor. Su método se centra en la conexión física y emocional, utilizando ejercicios intensivos que liberan la autenticidad del actor. Según Grotowski, el cuerpo del actor se pone al servicio absoluto del acto teatral: «El actor tiene que ser santo, debe realizar un sacrificio expiatorio. No se trata de complacer al espectador o prostituirse delante de él, como hace el actor cortesano, sino de sacrificar todo su cuerpo». En nuestras clases de teatro abogamos por la presencia total para nutrir la actuación, despojada de artificio. Lo que Grotowski llamaría “teatro pobre”. Rico en actuación, agregamos.
Laban y el Movimiento Expresivo: Rudolf Laban, a través de su teoría del movimiento, añade una capa visual a la corporeidad. Su enfoque en la expresión a través del movimiento permite a los actores comunicar la esencia de sus personajes a través de la danza y los gestos.
Para explorarlo, desarrolla el concepto de “Kinesfera” Básicamente, se trata del espacio que rodea el cuerpo, en forma de esfera tridimensional. También se lo conoce como “espacio parcial”. Claro que, si el cuerpo en cuestión se desplaza de lugar, la kinesfera se traslada con él. La voz, en el contexto de Laban, se convierte en una extensión natural del movimiento corporal. En las clases de teatro de los diferentes niveles realizamos ejercicios prácticos para explorar las posibilidades corporales en la kinesfera.
Lecoq y la Mímica Corporal: Jacques Lecoq, maestro de la mímica corporal, lleva la corporeidad a nuevas alturas visuales. Su método se centra en la conexión entre el cuerpo y la emoción, utilizando la mímica y la expresión física para dar vida a los personajes. En su libro “El cuerpo poético” dice sonbe las personas que imparten clases de teatro: “Nuestro trabajo pedagógico consiste en propiciar que nuestros estudiantes se auto descubran y que sean ellos mismos”.
Barba y la Antropología Teatral: Eugenio Barba, a través de la antropología teatral, profundiza en las raíces culturales y antropológicas de la actuación. Su enfoque destaca la importancia de las bases presentes en todas las artes escénicas, conectando el teatro con rituales ancestrales y prácticas culturales. La corporeidad, según Barba, es un reflejo de la diversidad cultural y un puente que conecta historias de todo el mundo.
El cuerpo en clase de teatro
En la búsqueda de aprender teatro, estos enfoques nos ofrecen una perspectiva única para explorar la expresividad corporal y la conexión profunda entre el cuerpo y la creación teatral. Comenzamos re descubriendo las capacidades adquiridas hasta la fecha par avanzar sumando herramientas que nos permitan ampliar el abanico.
En la escuela de teatro La Barca Otro Teatro generamos un mirada, un E.C.R.O., esquema conceptual y operativo al decir de Enrique Pichón Riviere. En el eje que hace a lo corporal de nuestras clases de teatro, estos son los principales autores que abarcamos, junto a Rolando Toro Araneda.
A manera de conclusión
En resumen, la corporeidad en el teatro se convierte en un complejo tejido que abarca desde la búsqueda emocional profunda de Stanislavsky hasta la precisión biomecánica de Meyerhold, la exploración intensiva de Grotowski, la expresión a través del movimiento de Laban y la mímica visual de Lecoq. Cada uno de estos maestros ha dejado un legado valioso, subrayando la importancia de la corporeidad como elemento esencial en la creación teatral. En conjunto, ofrecen un rico repertorio de enfoques que el alumnado puede explorar para descubrir la autenticidad y la profundidad en sus interpretaciones, estableciendo una conexión única con sus personajes y la audiencia.
Sumando la particularidad del oficio que hace que todo lo explorado en las clases de teatro se mantenga vivo en la vida cotidiana. Porque en el teatro el cuerpo es el instrumento y cuando se afina suena rico en todos los escenarios