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«Ramo una intervención sobre la espera y el amor» nace en la ciudad de La Plata, Buenos Aires, Argentina. Es una propuesta del dramaturgo Agustín Lostra pensada para el bosque que hay en el corazón urbano. Supe de su existencia porque allí viví los últimos 10 años antes de radicarme en Sevilla. Allí recibí mis primeras clases de teatro y me subí a mis primeras tablas. Allí también aprendí que las clases de teatro son un trampolín a vivir experiencias nuevas. El nexo con gente teatrera está lleno de recorrido y afecto y me convocó mucho cuando vi la difusión en redes de amigas actrices de esas tierras. Gracias a ellas tomé contacto con Agustín, quien fue muy generoso compartiendo su proyecto y me envió la dramaturgia. La puerta abierta En todo sentido. Abrir la puerta de la escuela de teatro para salir a la calle. Abrir posibilidades en un espacio que es común a

«Biodrama”: una conjunción muy simple entre biografía y teatro ¿Cuándo empieza la ficción? ¿Cómo rescatar lo teatral de lo cotidiano? Vivi Tellas, directora y curadora teatral argentina, inventó el término “Biodrama”: una conjunción muy simple entre biografía y teatro. Desde ese momento, investiga sobre el retrato escénico, el teatro documental, llevando a sus protagonistas no actores arriba del escenario. En realidad “Biodrama” nace como el título del ciclo que produjo en el año 2001 para el teatro Sarmiento, uno de los seis teatros que componen el Complejo Teatral de Buenos Aires, todos dependientes del gobierno de la ciudad. Según Tellas, este ciclo fue pensado para el teatro público, en búsqueda de algo que le pueda devolver a su gente un teatro financiado con la plata de la comunidad. Así fue que comenzó a pensar en las personas, en la historia biográfica de las personas, en un país que hizo desaparecer a 30.000 de sus habitantes. 

“Al principio era un teatro. Luego un laboratorio. Y ahora es un lugar donde espero poder ser fiel a mí mismo. Es un lugar donde cuento con que cada uno de mis compañeros pueda ser fiel a sí mismo. Es un lugar donde el acto, el testimonio dado por un ser humano será concreto y carnal. […] Donde se tienen ganas de ser descubierto, revelado, desnudo; verdadero de cuerpo y de sangre, con toda la naturaleza humana.” (Grotowski, 1970, pp 46)¿De dónde sale este señor? Es difícil entender la búsqueda artística de Grotowski sin conocer su camino. Podemos pensar que él es el primer director con renombre que se pone a trabajar a conciencia sobre lo espiritual en el teatro. Esto, que en el teatro oriental es una de los pilares del arte dramático, en este hemisferio, atravesado por el racionalismo cartesiano, es un aspecto bastante omitido. Igualmente, tampoco hay que olvidar la época en

Mi encuentro con Grotowski Hace literalmente cuatro meses que estoy leyendo a Grotowski. Obvio que no todo el tiempo, pero su imagen camina al lado mío. Siempre me pareció un volado, rozando lo canalla, pero también veía en él algo hipnótico, como si él hubiera entendido algo de la vida que yo no me animaba ni siquiera a preguntar. Últimamente llegó a mi camino en forma de curso primero y de esta tarea (perdón por la demora) que me obliga a bajar lo que me pasa con él. Me atraviesa. Estoy como Homero Simpson con Thomás Edison. No porque sus producciones artísticas me parezcan increíbles (creo que todo lo contrario). Me atraviesa por la profundidad con que se toma la vida. La vida que es justamente su foco de trabajo. La vida del humano puesta ahí, arriba del escenario. Ofrendada. En un ritual no religioso: en un ritual teatral. Voy a hacer el intento de

En el fascinante mundo del teatro, la corporeidad emerge como un concepto fundamental que va más allá de la simple representación de un personaje en el escenario. Este viaje desde las corazas caracterológicas de Wilhelm Reich hasta la antropología teatral de Eugenio Barba, pasando por las metodologías innovadoras de Stanislavsky, Meyerhold, Grotowski, Laban y Lecoq, revela la riqueza de la expresividad corporal en la creación teatral. Definiendo Conceptos Clave: Cuerpo: El cuerpo se refiere a la estructura física tangible de un individuo, incluyendo órganos, músculos, huesos y sistemas biológicos. Es la entidad material que ocupa un espacio y experimenta sensaciones. Corporalidad: La corporalidad va más allá del cuerpo físico y abarca las experiencias, percepciones y expresiones sensoriales que emanan del cuerpo. Incluye la conciencia del cuerpo en movimiento y su capacidad para comunicar emociones y pensamientos. Corporeidad: La corporeidad es un concepto más amplio que engloba la totalidad del ser, integrando cuerpo, mente y emociones.

En el vasto escenario del teatro, el Teatro Físico emerge como una disciplina vibrante que va más allá de las palabras para explorar la expresión corporal en su forma más pura. En nuestra escuela de teatro, celebramos la diversidad de formas teatrales,  e indagamos en diferentes métodos,  que te venimos presentando en nuestro blog. Hoy, nos sumergiremos en las entrañas del Teatro Físico, explorando sus raíces, particularidades, práctica, autores relevantes y propuesta de clases. Particularidades del Teatro Físico 1. Expresión Corporal Intensa En el Teatro Físico, la expresión corporal se convierte en la clave maestra. Cada gesto, movimiento y expresión facial se estudian y perfeccionan para lograr una comunicación impactante y visceral, fomentando una conexión única entre artistas y público. 2. Uso creativo del espacio El Teatro Físico explora activamente el espacio escénico. Se explora y utiliza de manera creativa, integrando elementos visuales para enriquecer la puesta en escena y llevar al público a un

Es muy interesante hablar de la poética de Kantor después de hablar de Brecht y pensarlos como si fueran la expresión de una punta y la otra del túnel llamado Segunda Guerra Mundial. «La obra de arte ya no alude a otra cosa, sino que se analiza de acuerdo a la relación entre sus elementos» Si Brecht resaltaba la importancia de que el teatro sea una herramienta de emancipación de las clases populares contra el incipiente régimen nazi, en Kantor el teatro es un arte autónomo, autosuficiente, que se pone por encima de la naturaleza, del mundo objetual. Para  Brecht, el pensamiento político de les actuantes eran tan importante que debía verse expresado en relación al texto dramático a representar. En cambio, para Kantor, no sólo el texto no tiene  ninguna importancia sino que lx actuante tiene menos jerarquía que los objetos: la guerra parece haber tenido un efecto deshumanizador. Contexto Para ponernos en contexto:

Teórico teatral, dramaturgo y director alemán, Bertolt Brecht vivió entre 1898 y 1956. Fue uno de los teóricos más influyentes del Siglo XX, el gran exponente del teatro político y  un puente entre el teatro moderno y posmoderno. “El arte no es un espejo para reflejar la realidad, sino un martillo para darle forma” es una de las frases que mejor exponen su pensamiento.  He aquí otra poética, otra mirada, que nos aleja de la centralidad del texto. Si te apetece saber ¿de qué hablamos en la poética de la puesta en escena?, sigue el link. Contexto Resulta imposible entender el teatro de Brecht sin tener en cuenta su contexto político. Durante su adolescencia, se desata la Primera Guerra Mundial (1914-1918) que lo convierte en testigo del asesinado de amigos suyos en un enfrentamiento sin razón aparente. En su juventud se desempeña con éxito como dramaturgo y director en Munich y Berlín y llega a