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Jerzy Grotowski y el Teatro pobre segunda parte: su vida en el arte.

“Al principio era un teatro. Luego un laboratorio. Y ahora es un lugar donde espero poder ser fiel a mí mismo. Es un lugar donde cuento con que cada uno de mis compañeros pueda ser fiel a sí mismo. Es un lugar donde el acto, el testimonio dado por un ser humano será concreto y carnal. […] Donde se tienen ganas de ser descubierto, revelado, desnudo; verdadero de cuerpo y de sangre, con toda la naturaleza humana.” (Grotowski, 1970, pp 46)¿De dónde sale este señor? Es difícil entender la búsqueda artística de Grotowski sin conocer su camino. Podemos pensar que él es el primer director con renombre que se pone a trabajar a conciencia sobre lo espiritual en el teatro. Esto, que en el teatro oriental es una de los pilares del arte dramático, en este hemisferio, atravesado por el racionalismo cartesiano, es un aspecto bastante omitido. Igualmente, tampoco hay que olvidar la época en

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Jerzy Grotowski y el Teatro pobre: la búsqueda de lo sagrado en la actuación

Mi encuentro con Grotowski Hace literalmente cuatro meses que estoy leyendo a Grotowski. Obvio que no todo el tiempo, pero su imagen camina al lado mío. Siempre me pareció un volado, rozando lo canalla, pero también veía en él algo hipnótico, como si él hubiera entendido algo de la vida que yo no me animaba ni siquiera a preguntar. Últimamente llegó a mi camino en forma de curso primero y de esta tarea (perdón por la demora) que me obliga a bajar lo que me pasa con él. Me atraviesa. Estoy como Homero Simpson con Thomás Edison. No porque sus producciones artísticas me parezcan increíbles (creo que todo lo contrario). Me atraviesa por la profundidad con que se toma la vida. La vida que es justamente su foco de trabajo. La vida del humano puesta ahí, arriba del escenario. Ofrendada. En un ritual no religioso: en un ritual teatral. Voy a hacer el intento de

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Explorando la corporeidad en el teatro: el cuerpo como elemento esencial

En el fascinante mundo del teatro, la corporeidad emerge como un concepto fundamental que va más allá de la simple representación de un personaje en el escenario. Este viaje desde las corazas caracterológicas de Wilhelm Reich hasta la antropología teatral de Eugenio Barba, pasando por las metodologías innovadoras de Stanislavsky, Meyerhold, Grotowski, Laban y Lecoq, revela la riqueza de la expresividad corporal en la creación teatral. Definiendo Conceptos Clave: Cuerpo: El cuerpo se refiere a la estructura física tangible de un individuo, incluyendo órganos, músculos, huesos y sistemas biológicos. Es la entidad material que ocupa un espacio y experimenta sensaciones. Corporalidad: La corporalidad va más allá del cuerpo físico y abarca las experiencias, percepciones y expresiones sensoriales que emanan del cuerpo. Incluye la conciencia del cuerpo en movimiento y su capacidad para comunicar emociones y pensamientos. Corporeidad: La corporeidad es un concepto más amplio que engloba la totalidad del ser, integrando cuerpo, mente y emociones.

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Explorando el teatro físico: más allá de las palabras en nuestra escuela de teatro

En el vasto escenario del teatro, el Teatro Físico emerge como una disciplina vibrante que va más allá de las palabras para explorar la expresión corporal en su forma más pura. En nuestra escuela de teatro, celebramos la diversidad de formas teatrales,  e indagamos en diferentes métodos,  que te venimos presentando en nuestro blog. Hoy, nos sumergiremos en las entrañas del Teatro Físico, explorando sus raíces, particularidades, práctica, autores relevantes y propuesta de clases. Particularidades del Teatro Físico 1. Expresión Corporal Intensa En el Teatro Físico, la expresión corporal se convierte en la clave maestra. Cada gesto, movimiento y expresión facial se estudian y perfeccionan para lograr una comunicación impactante y visceral, fomentando una conexión única entre artistas y público. 2. Uso creativo del espacio El Teatro Físico explora activamente el espacio escénico. Se explora y utiliza de manera creativa, integrando elementos visuales para enriquecer la puesta en escena y llevar al público a un

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Tadeusz Kantor: triturar el texto

Es muy interesante hablar de la poética de Kantor después de hablar de Brecht y pensarlos como si fueran la expresión de una punta y la otra del túnel llamado Segunda Guerra Mundial. «La obra de arte ya no alude a otra cosa, sino que se analiza de acuerdo a la relación entre sus elementos» Si Brecht resaltaba la importancia de que el teatro sea una herramienta de emancipación de las clases populares contra el incipiente régimen nazi, en Kantor el teatro es un arte autónomo, autosuficiente, que se pone por encima de la naturaleza, del mundo objetual. Para  Brecht, el pensamiento político de les actuantes eran tan importante que debía verse expresado en relación al texto dramático a representar. En cambio, para Kantor, no sólo el texto no tiene  ninguna importancia sino que lx actuante tiene menos jerarquía que los objetos: la guerra parece haber tenido un efecto deshumanizador. Contexto Para ponernos en contexto:

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Bertolt Brecht y el teatro épico. Un puente entre el teatro moderno y posmoderno.

Teórico teatral, dramaturgo y director alemán, Bertolt Brecht vivió entre 1898 y 1956. Fue uno de los teóricos más influyentes del Siglo XX, el gran exponente del teatro político y  un puente entre el teatro moderno y posmoderno. “El arte no es un espejo para reflejar la realidad, sino un martillo para darle forma” es una de las frases que mejor exponen su pensamiento.  He aquí otra poética, otra mirada, que nos aleja de la centralidad del texto. Si te apetece saber ¿de qué hablamos en la poética de la puesta en escena?, sigue el link. Contexto Resulta imposible entender el teatro de Brecht sin tener en cuenta su contexto político. Durante su adolescencia, se desata la Primera Guerra Mundial (1914-1918) que lo convierte en testigo del asesinado de amigos suyos en un enfrentamiento sin razón aparente. En su juventud se desempeña con éxito como dramaturgo y director en Munich y Berlín y llega a

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Konstantin Stanislavski, abriendo una puerta: se puede aprender teatro

Vamos a hablar un poco del prócer, del padre del teatro moderno: Konstantin Stanislavski, nos trae una gran aporte: se puede aprender teatro. Actuar es un oficio Como su nombre bien lo indica, este señor es ruso y vivió entre 1863 y 1938.  Fue director escénico, pedagogo y creador del Teatro de Arte de Moscú.  Este teatro nace en 1898 como un teatro independiente y popular sostenido a base de donaciones (lo cual era bastante osado para la época). Allí Stanislavski investiga un nuevo método de actuación para pelearle a los estereotipos actorales tan comunes en su época basados en el histrionismo, la declamación y la representación artificial y convencional de las emociones humanas.  Una nueva mirada Stanislavski está en búsqueda de “la verdad escénica”. Se convierte en el primer teórico de teatro que se centra en el trabajo de la actuación, desarrollando una metodología completa y profunda. Este movimiento es sísmico ya que, hasta

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Cinco claves del Laboratorio de Creación Teatral

En este resumen te presentamos cinco claves del las clases de teatro que vivirás en nuestro laboratorio de creación teatral, facilitado por Santi Rivera. El mundo del teatro es un espacio de infinitas posibilidades para la expresión artística y la creatividad. Si eres una de esas personas apasionadas que ha dado sus primeros pasos en el arte de la interpretación actoral, te puede interesar este Laboratorio. En los cursos de teatro, te encuentras en un ambiente propicio para explorar tu creatividad escénica y desarrollar tus habilidades como intérprete. A través de cinco claves fundamentales, vamos a sumergirnos en el proceso de construcción escénica, desde la búsqueda de la idea hasta la incorporación de elementos externos, como la iluminación y el vestuario. Clave 1: Búsqueda de Nuestra Idea Todo proceso creativo necesita un punto de partida, un trampolín desde donde lanzarnos. En el teatro, este punto de partida es la «idea» o la motivación detrás de

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¿De qué hablamos cuando hablamos de poéticas?

¿Qué es la poética del teatro? Lejos de lo que puedas creer a primera vista, no se trata de declamar poemas en un escenario. Veamos… A: Si yo digo teatro, ¿qué te imaginas?  B: Actores A: Sí B: Que representan un papel A: ¿Cómo sería eso? B: Que representan personajes en una historia. A: ¿Y esa historia? B: La escribió un autor o una autora. A: ¿Y qué características tiene que tener una historia? B: Y tiene que pasar algo, tiene que haber un conflicto. Que puede resolverse para bien o para mal al final de la obra. A: ¿Y al final qué pasa? B: Al final, se apagan las luces o cae un telón y la gente aplaude… Y se va a comer una pizza y habla de lo buena o mala que estuvo la obra. A: ¿Y cómo es el teatro? B: El teatro tiene gente que mira en la oscuridad, enfrentada a

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